Categoria: P

Compiuti gli studi al Teatro alla Scala di Milano e perfezionatosi al Bol’šoj di Mosca, a diciotto anni entra nella compagnia scaligera, della quale diventa nel 1981 primo ballerino. Ospite assiduo di importanti compagnie internazionali (Australian Ballet, Scottish Ballet, National Ballet of Canada, Les Ballets de Monte-Carlo, Balletto Nazionale di Marsiglia), si esibisce sia nei tradizionali ruoli di danseur noble sia nel repertorio neoclassico e contemporaneo, mettendo in evidenza la sua incisiva presenza scenica e il suo stile virile ed elegante. Partner abituale di Luciana Savignano, danza con lei in balletti di Béjart ( Les Vainqueurs ), Bortoluzzi ( Butterfly ), Wayne ( After Eden ). Ritiratosi dalle scene è maître de ballet in varie compagnie internazionali, tra le quali il Balletto dell’Opera di Dresda.

È sorella di Silvia P. Diplomata in pittura all’Accademia di belle arti di Bologna, si forma come attrice nel 1981 all’interno del progetto di ricerca teatrale “L’eresia del Teatro Stanislavskij” presso il CSRT di Pontedera, con Jerzy Stuhr e Ryzard Cieslak. Con la Compagnia Laboratorio di Pontedera collabora a: Era (1987-88), Fratelli dei cani (1991-92), Il cielo per terra (1993). Lavora, tra gli altri, con Ryzard Cieslak in Aleph (1982), con Thierry Salmon ne Il passaggio (1985) e in A. da Agata (1986 e 1994), con François Khan in Quentin (1987) e con la Compagnia Santagata e Morganti in Pas Oubliè (1988-89) . Parallelamente al lavoro di attrice inizia, nel 1990, un’attività pedagogica e di formazione. Cura la regia di Tre…sorelle (1995), con M. Grazia Mandruzzato, Magda Siti, Anne Zenour . È del 1997 la sua partecipazione a Killing Maria, di Celina Sodrè e del 1998 a Justine (Cronache da Sade) di Paolo Billi e Dario Marconcini e a Dialoghi tra verità e silenzi di Paolo Billi.

Diplomato alla Scuola di ballo dell’Opera di Bucarest, debutta nel 1951 nell’omonima compagnia; in seguito è primo ballerino nel Balletto dell’Opera di Zurigo dal 1965 al 1975. Ritiratosi dalle scene, si dedica all’insegnamento lavorando come maître de ballet in compagnie come il Balletto della Scala e lo Stuttgarter Ballet e come maestro personale di ballerine quali Carla Fracci o Marçia Haydèe.

Inizia la sua attività nel 1970 col teatro per ragazzi (nel 1973 cura una messinscena per le scuole delle Metamorfosi di Ovidio che ritroveremo in molti lavori degli anni successivi). Poi la tv e la radio. Ma il suo talento si manifesta soprattutto in palcoscenico, dove, agli inizi affianca il famoso fratello Paolo (v.) giocando anche un ambivalente scambio di ruoli ( Femminilità , 1972). Ma la collaborazione col fratello l’avrebbe limitata a partecipazioni secondarie. Così, a metà degli anni ’70, si mette in proprio, come capocomica; si scrive spesso i testi, e firma i suoi a solo, ritagliandosi un personalissimo modo di fare teatro, con spettacoli e recital di implicazione sociale e femminista, animati da un gusto paradossale e da una verve comica, ironica e satirica sempre raffinata. Tra i molti titoli ricordiamo Liquidi (1976), Per Dorothy Parker , omaggio alla scrittrice americana, Passi falsi (1979), C’era una volta (1980), Donne in bianco e nero (1994), Sorelle d’Italia (1995). Nel 1997-1998 interpreta Deliziosi veleni e Antologia in attesa della catastrofe di Stefano Benni. Nel cinema, ricordiamo la pungente caratterizzazione in Albergo Roma (1996) di Ugo Chiti.

Anche se è il nome della P., nata a Venezia, ad aver acquisito notorietà in quanto intitolazione della compagnia, un contributo sostanziale, soprattutto per la creatività, va riconosciuto al marito, Federico Caldura, mentre alla P. va riconosciuta una grande abilità nella costruzione dei pupazzi e nella loro manipolazione. La P. e Federico Caldura iniziano la loro attività nel teatro di animazione, prima a Roma, nel 1949, presso l’Associazione artistica e poi a Venezia con spettacoli alla Sala Napoleonica. Ma il grande successo viene a quando, trasferitisi a Milano, avviano una continuativa collaborazione con la tv, nei programmi per ragazzi. Per questi programmi viene creato quello che ancor oggi rimane, pur dopo tanti anni di assenza, il personaggio più fortunato e ricordato del nostro nuovo teatro di animazione: Topo Gigio, creato nel 1958. La straordinaria popolarità di Topo Gigio fu certo dovuta in gran parte alla televisione, ma anche alle sue proprie qualità comunicative che operano in un felicissimo equilibrio fra innovazione e conservazione di tratti tradizionali. Gli spettacoli di Topo Gigio erano realizzati utilizzando specificità televisive che consentivano di rendere invisibili gli operatori (completamente vestiti di tute nere) che muovevano direttamente, con le mani i pupazzi, costruiti in gommapiuma.

Lavora con i burattini fin dall’età di nove anni assieme allo zio: il celebre burattinaio bolognese Mandrioli. Nel 1976 sposta il proprio teatro da Porta D’Azeglio a Porta Nettuno, dove il comune di Bologna gli mette a disposizione l’ex sede di una banca. In tale teatro denominato Teatrejn de buratein, lavora con la moglie e il figlio Sergio.

Inizia nel 1986 con il teatro-cabaret dopo essersi diplomato in drammaturgia alla scuola `P. Grassi’: Trigomiri (1990), Vita da cani (1993) e Il peggio di me (1994). La sua attività teatrale si snoda a fianco alle sue apparizioni in tv. Nel 1998 è uno degli artisti dello “Zelig Show. Il cabaret a teatro” e, nello stesso anno partecipa come attore al film Animali felici di Angelo Ruta.

All’inizio del secolo comincia a lavorare con diverse compagnie, fino a quando nel 1919 ne costituisce una propria, Palmarini-Campa, che oltre a un repertorio commerciale – Nido altrui di Benavente (1918) e Lorenzino di Forzano (1921) – si segnala per alcuni interessanti allestimenti: Zio Vania di Cechov, che è rappresentato per la prima volta in Italia dal P. nel 1922, con il titolo Zio Giovanni ; Topaze di Pagnol (1929, riscuote un grande successo); Acque torbide (La Brouille) di Vildrac (1931).

Allievo di Guttuso, orienta ben presto la prima impostazione realista verso l’espressione non figurativa, che successivamente caratterizza la sua esperienza teatrale, iniziata con il Woyzeck di Büchner (regia di E. Gaipa, Roma, 1946). Il suo stile concepisce un ordine geometrico che fa confluire l’oggettività scenica in una realtà parallela, allusiva e significante. Dopo alcune esperienze cinematografiche di rilievo ( Bellissima di Visconti, 1951; Il cappotto di Lattuada, 1952; Le amiche di M. Antonioni, 1955), dal 1954 inizia una proficua collaborazione con L. Squarzina ( È mezzanotte dottor Schweitzer! , di Cesbron, San Miniato, 1954; Il potere e la gloria di G. Greene, San Miniato, 1958), che si allarga tuttavia anche ad altri registi: Visconti ( Morte di un commesso viaggiatore di Miller, 1951), Gassman ( Oreste di Alfieri, 1951; I Persiani di Eschilo, 1954), De Lullo (celebre lo spaccato del casamento per Il diario di Anna Frank ), Sbragia ( Ricorda con rabbia di J. Osborne, La cortigiana di P. Aretino). Più di recente lavora con Battistoni per Minnie la candida di M. Bontempelli (Milano, Piccolo Teatro, 1980) e Una bella domenica di settembre di U. Betti (Milano, Teatro Filodrammatici, 1982). Impegnato a Bologna come docente di Elementi di scenografia all’Università (dal 1970 al 1986), torna a San Miniato per elaborare una nuova versione de Il potere e la gloria da G. Greene (regia di G. Sbragia, 1992).

Dal ’74 in poi prosegue da solo: la svolta nel cabaret è con La tappezzeria di Enzo Jannacci e Beppe Viola (1977). Prosegue con numerose apparizioni al cinema e in tv.

Esordì nel 1898 nella Stabile di Napoli, inserendosi poi nella compagnia di Eleonora Duse. Si affermò come attrice in seno alla Compagnia Stabile Romana in La fiaccola sotto il moggio nel 1906, con G. Pezzana e F. Garavaglia, distinguendosi soprattutto nel 1908 come interprete nella Nave . Il suo repertorio spaziava dal genere comico al drammatico ( La signora dalle camelie , i drammi a tesi di Brieux e Butti, i testi di Flers e Caillavet). Uno dei suoi ultimi spettacoli teatrali di successo fu La Gorgona di S. Benelli nel 1913, portata in tournée nell’anno successivo. Per problemi di salute dovette lasciare il teatro, tornandovi solo sporadicamente con partecipazioni straordinarie. Continuò invece l’attività cinematografica, iniziata nel 1915 con Silvio Pellico, il martire dello Spielberg , cui seguirono Re burlone del 1935, Dora Nelson del 1939, Perdizione e Noi vivi del 1942.

Estraneo ai mercati del circo o del teatro di strada, P. conduce dagli anni ’70 un’originale ricerca artistica di tipo concettuale sull’arte del funambolo. Le sue installazioni aeree, inizialmente clandestine e notturne, coprono spazi simbolici di grandi capitali: le torri di Notre Dame a Parigi o quelle del World Trade Center a New York, l’interno della cattedrale di New York e l’esterno di quella di Francoforte. Nel 1975 a New Orleans copre sul filo una distanza di quattrocentottanta metri. Sebbene le traversate aeree di P. siano di notevole difficoltà e rischio e costituiscano primati ineguagliati in tale campo, l’artista è interessato a coinvolgere il pubblico con il valore emotivo e simbolico delle proprie imprese piuttosto che con il virtuosismo.

Lavora prima come attore al Teatro d’Arte e al I Studio (1912-1918) con parti di rilievo (Vasilij ne Il pensiero di L. Andreev, Apollon ne La provinciale di Turgenev). Dal 1918 al 1923 dirige una compagnia di ricerca a Kostroma, riprendendo molti spettacoli di cui è stato interprete al Teatro d’Arte. Nel 1923 torna a Mosca e diventa regista (1923-1930) al 3 Studio del Teatro d’Arte (che nello stesso anno prende il nome dal suo fondatore, il regista E. Vachtangov, morto l’anno precedente), dove dedica particolare attenzione al repertorio sovietico. Dal 1930 al 1935 dirige il Teatro della Rivoluzione: ottiene enorme successo con tre testi di N. Pogodin ( Poema della scure 1931, Il mio amico 1932, Dopo il ballo 1934) e una vitalissima edizione di Romeo e Giulietta di Shakespeare. Dal 1935 fino alla morte dirige il Teatro Centrale dell’Armata Rossa: di solida fede comunista, imposta il suo lavoro di regista su canoni realistici che gli permettono di superare con grandi encomi la difficile era staliniana. Da segnalare, tra gli spettacoli più riusciti, oltre a testi celebrativi come C’era una volta di F. Gladkov (1942), Quelli di Stalingrado di Ju. Cepurin (1944), buone edizioni di classici come La bisbetica domata di Shakespeare (1937) e Il revisore di Gogol’ (1951).

Formatasi con i fratelli Alonso, Alexandra Fedorova, Mary Skeaping e Anna Ivanova, debutta nel 1953 nella compagnia di Alicia Alonso, per diventare prima ballerina del Balletto Nazionale di Cuba, nel 1962. Medaglia d’argento al Concorso internazionale di Varna nel 1964 e nel 1966, primeggia in ruoli del repertorio romantico ( Giselle ) nei quali ha possibilità di mostrare il suo stile levigato e poetico. Ritiratasi dalle scene, è oggi maître de ballet della compagnia cubana.

Allievo della Egorova e di Zvereff, dopo aver debuttato alla Comédie-Française, fu nella compagnia di J. Charrat. Poi con R. Petit e quindi con il London’s Festival Ballet. I più brillanti risultati come danzatore li otterrà tuttavia con la compagnia De Cuevas (1960-1962) e con il New York City Ballet, protagonista di importanti balletti moderni. Nel 1972, con Galina Samsova, allora sua moglie, fondò una sua compagnia, poi diventata il New London Ballet. Per essa firmerà una serie di interessanti coreografie tra le quali Scarlatti and friends , Bagatelles opus 126 , Elégie , Commedia , Anna Karenina , The Storm e Verdi Variations .

Terminato l’Istituto coreografico di Pietroburgo, nel 1889 è entrata nel Corpo di ballo del teatro Marijnskij, dal 1896 è solista e dal 1900 prima ballerina. Già professionista ha continuato a studiare con Cecchetti con la Beretta. Ha saputo conservare la purezza della tradizione della danza classica. Perfetta per i ruoli lirici e da commedia è stata inteprete di La schiaccianoci , La bella addormentata , Raimonda , Aci e Galatea , Coppelia , La fille mal gardée, Paquita, La fata della bambole. Michail Fokin ha creato per lei le parti del preludio in Chopiniana e di Cleopatra nelle Notti egiziane. Nel 1895 ha compiuto una lunga tournée nell’Europa occidentale e in America del Sud. Dal 1917 al 1920 ha affiancato l’attività di insegnante a quella di ballerina. Nel 1920 lascia la danza, e a partire dal 1921 insegna in numerose città europee, prima di stabilirsi definitivamente a Parigi nel 1923. Dalla sua scuola passano i più importanti danzatori sino al 1960, quando lascia l’attività.

Entrata alla Scuola di Ballo della Scala nel 1927, la lascia nel 1935 per seguire Jia Ruskaja, con la quale collabora nell’insegnamento alla scuola di danza fondata a Roma nel 1940; contemporaneamente prosegue la carriera di ballerina, coprendo ruoli da protagonista in vari balletti come La bottega fantastica di A. Milloss all’Opera di Roma (1940) e Visioni, sempre di Milloss, alla Scala (1948). Istituita l’Accademia nazionale di danza (1948), si dedica totalmente all’insegnamento, succedendo alla Ruskaja in qualità di direttrice nel 1970. Qui, fino al suo ritiro (1990), si attiva anche come coreografa, curando saggi e spettacoli. È autrice dell’autobiografia Giuliana, dai capelli di fuoco.

Iniziano come duo comico nel 1986, provenendo entrambi dal teatro. Il debutto è allo Zelig di Milano con Fame… – saranno nessuno . Vincono il Festival di cabaret di Grottammare, dove sono già abbozzati i vari personaggi che interpretano, tra cui il `De Lollis’ di P. In seguito il palcoscenico della loro comicità si trasferisce in televisione: li ricordiamo in note trasmissioni satiriche come Indietro tutta , Fate il vostro gioco , Tiramisù . Nel 1995 il duo si scioglie; P. prosegue in tv con Mai dire gol e in teatro con The school of the art of De Lollis ; S. come autore, firmando trasmissioni quali Macao e Scirocco .

Allieva della Scala, debuttò giovanissima nel teatro milanese e nel 1938 fu protagonista della prima edizione italiana di Schiaccianoci di Froman-Cajkovskij. L’anno successivo fu nominata direttrice del corpo di ballo, per il quale ideò la formula dei `balletti sinfonici’ avvalendosi di una forte preparazione musicale che la porterà, negli ultimi anni di carriera, a dedicarsi alla musica antica in veste di strumentista. Nel 1940 approntò alla Scala una nuova versione de La bella addormentata e l’anno successivo coreografò L’uccello di fuoco di Stravinskij, sempre riservandosi i ruoli di protagonista. Trasferitasi a Firenze dal 1937, ha iniziato a collaborare con il Maggio musicale fiorentino, dove ha lavorato nel dopoguerra dapprima come coreografa e poi come suonatrice di liuto nel complesso del marito, Rolf Rapp.

Figlio di Georges e Ludmilla, dimostra un interesse spiccato per l’arte: suona il piano, ama disegnare, segue i corsi di arte drammatica di Jouvet all’Athénée. In L’ennemi du people di Ibsen (1939), Sacha recita accanto al padre, che muore quello stesso anno. Dal 1945 si stabilisce definitivamente a Parigi, dove mette in scena diversi spettacoli: Les Boucher inutiles di Simone de Beauvoir (1945); L’Épouse injustement soupçonnée di Cocteau (1949) ; Bassifondi di Gorky (1956); Questa sera si recita a soggetto (1959); Enrico IV (1967); Sei personaggi in cerca d’autore (1977) di Pirandello; Zio Vanja (1952); Le tre sorelle (1955); Il gabbiano (1962, con Romy Schneider); Ivanov (1963); Il giardino dei ciliegi (1965) di Cechov.

Il naufrago , il suo primo spettacolo rappresentato in Italia (1977), suscita subito grande interesse per la capacità di mescolare il tragico e il comico nella quotidianità con un uso esemplare della gestualità, che ripropone con successo ne Il ristorante (1980) e ne Il buffone e la regina (1982). Dal 1982 collabora stabilmente con la compagnia italiana Filarmonica Clown per cui ha scritto e diretto alcuni spettacoli esilaranti, pieni di una comicità surreale che smaschera sempre il gioco teatrale ( Arrivi e/o partenze , 1982; Chicago Snakes , 1984; Don Chisciotte , 1989). È stato tra l’altro attore per Jakubisko ( Sono seduto su un ramo e mi sento bene , 1988).

rappresenta uno dei momenti più significativi nel panorama dei festival europei. L’incontro fra Roberto Cimetta e Velia Papa con l’allora sindaco di P. Domenico Mancia, rappresenta nel 1975 l’inizio di un’avventura culturale destinata a rigenerare e trasformare il territorio del piccolo comune, attraverso la valorizzazione delle potenzialità creative della comunità. All’origine uno spettacolo: l’ Isola Purpurea di Bulgakov, realizzato insieme agli abitanti di Polverigi a Villa Nappi, destinata a diventare punto nevralgico della futura manifestazione. La prima edizione del Festival (1977) è riservata ai gruppi operanti nelle Marche, ma sin dall’edizione successiva si afferma la necessità di aprirsi al confronto internazionale. L’idea fondativa è quella di un teatro capace di abitare la comunità, un teatro inteso come luogo, o per meglio dire contaminazione di luoghi e di linguaggi: ogni anno in luglio lo spazio urbano di P. si trasforma in scena, lo spazio del teatro e quello della comunità si confondono sovrapponendosi, all’insegna della più assoluta libertà espressiva. Cortili, botteghe, piazze e cantine si animano di musica, danza e teatro, spesso in iperboliche contaminazioni di generi. Nel tentativo di favorire lo sviluppo di nuove elaborazioni linguistiche attraverso l’incontro-confronto fra tradizione e innovazione, il Festival ha ospitato alcuni dei gruppi più significativi che operano nell’ambito della sperimentazione espressiva (dal Teatro della Valdoca a Leo de Bernardinis, alla Raffaello Sanzio, fra gli altri, per la scena italiana). Nel corso degli anni l’appuntamento di P. si è arricchito di una serie di iniziative che ne testimoniano la fecondità culturale: nel 1981 è stato creato l’Informal European Theatre Meeting (IETM oggi con sede a Bruxelles) nodo di collegamento che raccoglie oltre quattrocento operatori teatrali di tutto il mondo; nel 1985 si è costituito il Centro di produzione, successivamente trasformatosi nel Teatro Stabile delle Marche; nel 1985, 1986 e 1987 il Festival ha prodotto Expò Teatro Italia, destinata a promuovere all’estero il teatro italiano e a favorire la cooproduzione europea; nel 1990 è stato creato l’Archivio del Teatro di Villa Nappi, una sorta di centro stabile di memoria teatrale; e al fine di attivare una rete internazionale di collegamenti a fini formativi è stato istituito il Fondo Internazionale Roberto Cimetta.

È tra gli autori degli spettacoli televisivi Drive in , Emilio , Vicini di casa , Su la testa , Scherzi a parte , oltre a essere stato autore dei testi degli spettacoli di Gene Gnocchi. Nel 1990 scrive per Marco Dalla Noce La bambagia e il cilicio , e nel 1993 firma con Paolo Rossi lo spettacolo Pop e rebelot ; nel 1996 è autore, in coppia con Zuzzurro, dello spettacolo In tre sull’arca di Noè . Collabora in seguito a Quelli che il calcio e Anima mia .