Categoria: C

Non è solo un gruppo di artisti, è un’idea, una filosofia libertaria in cui si esplorano i propri sogni e ossessioni, la potenzialità di scelte alternative e radicali anche dentro i circuiti artistici e i medium tradizionali (teatro, musica), ma con un approccio e un pensiero totalmente diversi (ad esempio, un pubblico composto non solo da studenti universitari o addetti ai lavori, ma anche da operai e persone senza cultura specifica). Il nucleo originario è composto da Genesis P-Orridge (alias Neal Andrew Megson, nato a Manchester nel 1950, profondo conoscitore di Alesteir Crowley e uno degli artisti più prolifici e straordinari dell’underground inglese) e Cosey Fanni Tutti (ex attricetta porno); successivamente si aggiunge il fotografo Peter `Sleazy’ Christopherson. I temi delle performance dei C.T. orbitano attorno alla tortura, la guerra, le tecniche psicologiche di persuasione, gli strani omicidi (soprattutto di bambini e psicopatici), la patologia forense, la venerologia e la vita nei campi di concentramento nazisti: più di centocinquanta azioni (tra il 1969 e il ’76), sia in gallerie sia in spazi alternativi, in cui Genesis beve sangue e orina, si infila aghi non sterilizzati, sta su un letto di chiodi o è incatenato e fustigato da Cosey. Le più note performance: Prostitution, Ica (London, 19-26 October, 1976) e Gary Gilmore Memorial Society (con Monte Cazazza). Genesis, Cosey e Peter, dopo l’esperienza C.T. fondano la band di `industrial music’ Throbbing Gristle.

Allieva di S. Egri e della Scuola di ballo della Scala, si diploma nel 1972 perfezionandosi in seguito al Bol’šoj di Mosca e con Y. Chauviré a Parigi. Tipica esponente della scuola italiana, dotata di tecnica solida e brillante, danza come solista al London Festival Ballet (1973), per proseguire poi la sua carriera come prima ballerina in numerosi teatri italiani (Comunale di Bologna, Regio di Torino). Come coreografa ha riadattato molti classici ottocenteschi ( Lo schiaccianoci , originale versione creata per la compagnia del Teatro Nuovo di Torino, 1987).

Con Luciano Cirri e Piero Palumbo fondano Il Bagaglino, locale che è stato culla del cabaret romano: nato nel 1965, nel 1972 si trasferisce dallo scantinato di via Panico al salone Margherita. Dal 1965 i due scrivono i testi per gli spettacoli della compagnia legata al locale, dove si sono avvicendati – oltre ai `fissi’ Oreste Lionello e Pippo Franco – anche Enrico Montesano, Gianfranco D’Angelo, Gabriella Ferri, Pino Caruso, Leo Gullotta, Bombolo, Maria Grazia Buccella. La comicità del Bagaglino approda nel 1973 sul piccolo schermo, riscuotendo un notevole successo, a tutt’oggi invariato; C. e P. firmano tutti i programmi televisivi della compagnia, varietà satirici di grande popolarità, dai primi Dove sta Zazà (1973) e Mazzabubù (1975) fino all’ultimo Gran Caffè (1998), firmato con Carla Vistarini.

Già allievo di Copeau, lettore di copioni e direttore di scena con la Theatre Guild, fu nel 1931 uno dei fondatori del Group Theatre; ne divenne il principale regista a partire dal 1935 (allestendo, fra l’altro, cinque testi di Odets, l’autore più importante rivelato da questo organismo) e ne raccontò la storia in un volume dal titolo Gli anni fervidi (The Fervent Years, 1945). Dopo la fine del Group mise in scena diversi altri testi, fra i quali, in prima assoluta, Invito di nozze di C. McCullers, Fermata d’autobus di W. Inge e Incidente a Vichy di A. Miller, oltre a opere di O’Neill, Giraudoux, Anouilh e altri. Fu, dal 1953 alla morte, il critico drammatico del settimanale “The Nation” e pubblicò, oltre a raccolte di recensioni, un saggio sulla regia ( On Directing , 1968), un volume su Ibsen e un libro di memorie dal titolo All People Are Famous (1974).

È stata l’ultima attrice napoletana veramente e irriducibilmente popolare. Lo dimostra il pubblico sterminato che stagione dopo stagione affollava il `suo’ Sannazaro, il glorioso teatro che, ridottosi all’infimo ruolo di cinema a luci rosse, lei e il marito, Nino Veglia, avevano riaperto nel 1971. La C. era nipote di Pasquale Malleo, in arte Fiorante, il marito della Nunzia Fumo figlia dell’Eugenio contitolare della celeberrima compagnia di sceneggiate Cafiero-Fumo. Con lui aveva debuttato, ad appena cinque anni d’età, nel non meno celebre allestimento di Torna al tuo paesello . E furono i primi passi su una strada che, in brevissimo tempo, doveva condurla a recitare, da protagonista, prima con Eduardo De Filippo e poi con Nino Taranto. Con Eduardo, a partire dal ’53, la C. interpretò Miseria e nobiltà di Scarpetta, Palummella zompa e vola di Petito e, dello stesso Eduardo, Non ti pago , Le voci di dentro , Mia famiglia , Questi fantasmi! , Napoli milionaria! , Uomo e galantuomo , Bene mio e core mio . E – senza contare le escursioni nel repertorio, poniamo, di Marotta, Brancati e addirittura Pirandello – con Taranto riattraversò, in pratica, tutto il teatro di Viviani: da Morte di Carnevale a Guappo di cartone e Lo sposalizio . Sino alla morte prematura, che la colse a 68 anni nel gennaio del ’94, si distinse infine nelle commedie che letteralmente le cuciva addosso il suo `poeta di compagnia’, Gaetano Di Maio.

Giornalista, direttore di compagnie di prosa e di rivista, scrisse in italiano e in dialetto veneto e milanese. È noto per I fratelli Castiglioni (1930), farsa rusticana portata sulle scene con successo da Petrolini, e per La guarnigione incatenata (1935), testo che racconta la prigionia di guerra di un gruppo di ufficiali italiani. Della sua vasta produzione come librettista d’opera va ricordato Il macigno , scritto nel 1917 per Victor De Sabata.

Conclusi gli studi, nel 1936 avvia la carriera al Teatro sperimentale dei Gufi di Firenze, ma è nel 1946 che conferma il suo talento con Delitto e castigo di Dostoevskij che segna l’inizio della felice collaborazione con Luchino Visconti. Per lui si occupa di un fortunato allestimento di Zoo di vetro (1947) che offre, in una scena fissa, un interno e un esterno circondati dalle ombre della città; dell’ Euridice (1948) e di Oreste di Alfieri (1949) dai costumi settecenteschi e dal palcoscenico fastoso e barocco, parato di drappi rossi e delimitato da portali di pietra; infine di Medea di Euripide (1953) dagli abiti modesti, ambientata in un piccolo paese greco. Celebri anche gli allestimenti scaligeri per I sette peccati di Veretti (stagione 1955-56) e La pietra del paragone di Rossini (regia di M. Missiroli, stagione 1958-59) che definiscono uno stile dalla grande padronanza architettonica della scena, con stacchi prospettici e uno spiccato interesse per la materia. Lavora anche per altri registi (Squarzina, Strehler e Gassman), giungendo a soluzioni di estrema sintesi, come nell’ Adriano VII di P. Luke (regia di G. Albertazzi, 1971). Il suo linguaggio espressivo non fatica a trovare spazi soddisfacenti pure in campo cinematografico, come ne L’arte di arrangiarsi (1959) e nel precedente Le notti bianche (L. Visconti, 1957), che viene premiato con il riconoscimento del nastro d’argento. Negli ultimi anni, lo scenografo si è in effetti dedicato con maggior assiduità al cinema (spesso affiancato dalla costumista Maria De Matteis), cimentandosi anche nella regia.

Inizia la propria carriera esibendosi in locali di provincia con un complessino di cui fa parte anche Gianfranco Reverberi, che diventerà autore di canzoni, suo produttore discografico oltre che estimatore. Presto, però, C. lascia l’Italia alla volta di Parigi, la capitale degli chansonnier, dove si fa ben presto conoscere come `Piero Litaliano’. Va, quindi, in Spagna, Inghilterra e Irlanda prima di tornare nuovamente in Italia, dove, in un momento di forte espansione del mercato discografico sembra esserci posto per le sue poesie cantate. Con l’aiuto di Reverberi e Franco Crepax, pubblica, così, prima il 45 giri Lungo treno del Sud e poi, nel 1970, Tu no Barbara non c’è . In entrambi i casi l’esito è deludente, ma sarà l’album Piero Ciampi a valergli le prime segnalazioni. L’album esce in veste speciale, con testi, poesie e ventuno tempere dell’amico-pittore Aldo Turchiaro e assieme a Io e te abbiamo perso la bussola, album successivo del 1973, anch’esso arricchito di un volume di poesie, suscita molta curiosità e interesse di critica. Tuttavia C. sembra, a questo punto, più interessato a continuare le sue frequentazioni con pittori, attori e poeti che ad inseguire il successo nel mondo della canzone. Così, né la pubblicazione di altri album di discreto successo, tra cui, Andare camminare lavorare (1975), né l’aumentato interesse riservatogli dall’ambiente dello spettacolo, sono in grado di fermare la corsa alla distruzione attraverso l’alcool di questo `artista impossibile’ dal talento geniale e disordinato. Le sue esibizioni erano, più che concerti, delle vere e proprie performance d’artista , che pur non riuscendo ad adeguarsi alle regole del mercato, si afferma comunque attraverso la sua poesia del quotidiano, il suo `canto dolente’.

Esordì giovanissimo nel cinema ( Addio giovinezza! , 1940) e nel 1941 al Teatro delle Arti di Roma, accanto a O. Villi e A. Proclemer. Si affermò all’inizio degli anni ’50, recitando con la Borboni ( Lo scambio di Claudel) e con la Torrieri ( Un tram che si chiama desiderio di T. Williams, 1954-55). Nel 1960 recitò in Sogno di una notte di mezza estate di Shakespeare, rappresentato al Teatro romano di Verona con la regia di Franco Enriquez. Lavorò anche per la televisione e raggiunse grande popolarità, soprattutto presso il pubblico femminile, come interprete dello sceneggiato televisivo Romanzo di un giovane povero , diretto da S. Blasi (1957).

Allievo di Ruth Saint-Denis e Ted Shawn, è entrato nella Shawn’s Men Dance Company nel 1933 e poi nella compagnia Humphrey-Weidman. Dopo queste esperienze con i pionieri della danza moderna, ha intrapreso una brillante carriera di coreografo a Broadway e Hollywood, creando Kismet (1953), Jamaica (1957), Foxy (1964), Man of La Mancha (1965), Mata Hari (1967). Ha lavorato anche per l’Harkness Ballet ( Requiem for Jimmy Dean , 1968) e per il regista G. Cukor ( Les Girls , 1957; Facciamo l’amore , 1960, con Gene Kelly). Ha molto contribuito a fare del musical un’autentica espressione della cultura contemporanea americana.

Una delle più antiche dinastie dello spettacolo popolare, la cui attività nelle più disparate discipline (cavallerizzi, funamboli, mimi, marionettisti) è testimoniata da numerosi documenti. Appaiono già nel 1580 alla fiera di Saint-Laurent; Von Holtei descrive un ramo della famiglia nel suo romanzo Die Vagabonden ; dal 1710 appaiono al Théâtre des Funambules. Alla fine del Settecento si distingue la cavallerizza Angelica, mentre nella seconda metà del secolo scorso diviene celebre Giuseppe (1823-1897) per le sue avventurose tournée in tutto il mondo: oltre all’Europa, visita Americhe, Australia, Nuova Zelanda, India, Indonesia e Sudafrica, segnalandosi come importante punto di riferimento per i direttori dei circhi italiani del ‘900.

Russo; Forlì 1907), attrice. Debuttò nel 1932 nella compagnia di Renzo Ricci, passando nel 1934 alla Galli-Gandusio. Fu primadonna nel 1938 con R. Ruggeri, poi in ditta con M. Benassi, G. Donadio, A. Gandusio, G. Rocca, E. Calindri, G. Stival. Tra il 1940 e il 1950 ebbe una sua compagnia (la ricordiamo in Caldo e freddo di F. Crommelynck). Nel 1950-51 diresse a Roma il Teatro dei Satiri ( Svegliati e canta di C. Odets, Buio dentro di E. D’Errico). Nel 1953 fu primattrice al Teatro delle due città di Firenze; in seguito fece parte degli Stabili di Genova e Torino. Nel 1968 è apparsa a fianco di Diana Torrieri in La maleamata di J. Benavente e nel 1973 in La rigenerazione di I. Svevo. Le sue principali interpretazioni appartengono al genere drammatico (ricordiamo Assunta Spina di S. Di Giacomo, Yerma di García Lorca, Rosmersholm e Spettri di Ibsen, Non si sa come di Pirandello), ma ebbe notevoli successi anche nel genere brillante.

A dodici anni è acrobata equestre nell’attrazione della numerosa famiglia, che nel 1925 è al Ringling Bros. and Barnum & Bailey, dove in seguito Con occuperà a lungo la pista centrale. Primo funambolo a non utilizzare nessun attrezzo di bilanciamento, nel 1919 è il primo a eseguire il salto mortale in avanti, ben più difficile di quello all’indietro (le gambe dell’artista impediscono la visuale del filo dove atterrare); anche il suo stile veloce e aggraziato entusiasma il pubblico. Le sue apparizioni europee suscitano la curiosità degli intellettuali: Cocteau lo definisce uno dei tre artisti `moderni’, insieme a Barbette e Rastelli. Si ritira a sessant’anni per problemi alla vista.

Non sempre purtroppo i componenti di tali complessi riescono a conservare intatto il patrimonio di tradizioni in loro dotazione, con il rischio di presentare spettacoli non all’altezza delle aspettative.

Terminato l’Istituto coreografico di Pietroburgo, ha danzato al Teatro Marijinskij dal 1908. Nel 1911 ha preso parte alla Saison russe di Parigi e l’anno seguente ha lasciato la Russia. Solista dei Ballets Russes di Diaghilev sino al 1929, ha danzato dal 1932 al 1952 nei Ballets Russes de Monte-Carlo e nei Ballets Russes du Colonel de Basil, interprete delle coreografie di Fokine ( Shéhérazade , Cleopatra , Tamara , Carnaval ), Massine ( Le donne di buon umore , Pulcinella , Le pas d’acier ), Balanchine ( Apollon Musagète ). Ha rimontato balletti di Fokine per la Scala e al Sadler’s Wells di Londra, dove ha insegnato dal 1938.

Il rapporto fra l’artista e lo Stato non è mai stato tranquillo, anche per la naturale predisposizione del primo all’inquietudine e alla curiosità intellettuale verso tutto ciò che lo circonda, connotati da un’insofferrenza verso tutto ciò che è limite e divieto. A seconda dei vari regimi, nel mondo, il problema ha portato a forme repressive più o meno violente. I grandi artisti hanno tutti avuto problemi di censura, dovunque; per quanto riguarda l’autore più grande del nostro Novecento (Pirandello), il suo Sei personaggi in cerca d’autore quando nel ’23 si è affacciato ai palcoscenici del mondo ha trovato l’ostacolo dell’Inghilterra (a Londra è stato rappresentato in un circolo privato per interessamento di G. B. Shaw) e il divieto dei Soviet in Russia. In Italia, l’abolizione ufficiale della censura sul teatro di Prosa è del 1962. Sulla censura teatrale del ventennio ci soccorre un volume di Leopoldo Zurlo ( Memorie inutili, edito dall’Ateneo di Roma nel 1952) e si possono citare, fra gli altri, i casi di Tovarisch di Deval il cui permesso fu ottenuto da Paola Borboni direttamente da Mussolini nel ’34; le polemiche alla rappresentazione di Milano da parte della compagnia di Laura Adani, primo attore Vittorio Gassman, per Adamo di Achard (imperniato sul dramma di un omosessuale): polemiche, disordini e divieto di rappresentazione che hanno provocato un intervento dell’Ambasciata di Francia (1945); e, non ultimo ma forse più grave, l’intervento di una `altissima personalità cattolica’ per la rappresentazione di All’uscita di Pirandello al teatro Angelicum di Milano, nel quadro della `Settimana siciliana’ da parte della compagnia di Michele Abruzzo il 20 maggio 1954: la rappresentazione cancellata poche ore prima dello spettacolo con un comunicato che segnalava una variazione di programma «per l’ndisposizione di un attore» fu sostituita da alcune poesie dialettali, in una serata che, introdotta da una breve conferenza di A.G. Bragaglia, era proseguita da un discorso di M. Apollonio sull’apporto dell’arte siciliana alla cultura italiana. Ancora potremmo aggiungere, ma solo a titolo esemplicativo, il divieto a La governante di Brancati (1962), l’interruzione da parte della polizia, della presentazione in un circolo privato di via Belsiana a Roma, de Il vicario di Hochhuth diretto da M. Volontè (1965); Cronache dell’italietta di G. De Chiara e M. Costanzo viene proibito poco prima del debutto dal Presidente della commissione ministeriale di censura, perché `a suo parere’ lo spettacolo non rientrerebbe nel genere prosa ma in quello di rivista (poiché secondo la legge del ’62 rimangono ancora sottoposti a censura preventiva i lavori teatrali «eseguiti in rivista o commedia musicale a musica ed azioni coreografiche prevalenti»; e ancora gli interventi contro Giovanni Testori ( L’Arialda , regista Visconti, proibita a Milano, dopo la prima, nonostante le recite già andate in scena a Roma), il Living Theater (espulso dall’Italia dopo le rappresentazioni al festival di Venezia!) e quelli di cui si è perso il conto contro Dario Fo.

(New York 1911 – Woodland Hills, California, 1976), attore statunitense. Scappò di casa a diciassette anni per mettersi a recitare ed entrò a far parte del Group Theatre. Nel 1937 iniziò una lunga carriera cinematografica, che interruppe nel 1949 per interpretare a Broadway, in prima assoluta, Willy Loman in Morte di un commesso viaggiatore di Miller. Grazie alla sua prestazione, rimasta memorabile, il testo raggiunse, a detta dei critici, le altezze della tragedia. Al teatro tornò soltanto nel 1969 per impersonare re Lear, il personaggio più spesso citato per definire ed esaltare il suo Commesso.

Partecipa come chitarrista al primo recital di Jannacci e accompagna Milly nei suoi spettacoli; dal 1964 inizia la collaborazione con il Nuovo canzoniere italiano. Nel 1968 fonda con Dario Fo il collettivo teatrale Nuova scena (divenuto poi La Comune) e partecipa a tutti gli spettacoli, componendo le musiche fino al 1975. Collabora con il salone Pier Lombardo (poi teatro Franco Parenti) di Milano, per il quale cura il commento sonoro di molte produzioni dagli anni ’80 a oggi. Dal 1991 si esibisce in Microconferenze di musicologia applicata , una rappresentazione teatrale delle sue ricerche sonore, nella quale C. `suona’ bidoni, padelle, siringhe, tubi, legni, mattoni. Nel 1998 è in scena con Plasticone musica e pittura come scenografia e improvvisazione , spettacolo nel quale, con un sottofondo musicale, viene dipinto un enorme quadro che viene poi diviso e venduto all’asta tra i partecipanti a scopo benefico.

Viene fondato, infatti, alla fine degli anni ’70 da due ex Pilobolus: Martha Clarke, che ne è anche l’anima coreografica, e Robby Barnett, ai quali si affianca il francese Felix Blaska. Sulle orme di Pilobolus, i C. propongono microstorie intessute di ironia e metafore surreali, alle quali aggiungono qualche venatura drammatica e più grottesca. La parabola dei C., a differenza dei Momix (altra diramazione dei Pilobolus), si esaurisce però all’alba degli anni ’90. Resta ancora nel repertorio dell’American Ballet Theatre – riallestito da Martha Clarke nel 1988 – uno dei loro primi lavori di gruppo: The Garden of Villandry , un trio pensato come omaggio ad Antony Tudor.

Considerato il miglior trapezista italiano del dopoguerra, appartiene a una famiglia di tradizione circense: la madre è una Jarz, il fratello, Sergio, un buon ammaestratore di felini. Si esibisce soprattutto con la troupe composta dalla moglie Silvana Caroli, Corina Tribertis e l’ottimo catcher Oscar Papi. Impone in Europa lo stile italiano, grazie soprattutto alla grinta delle sue esibizioni; tra gli esercizi di maggior successo, il doppio salto mortale in avanti, il doppio `alla cardona’ (con le gambe in squadra) e la tripla o quadrupla piroetta al ritorno.