Categoria: M

Figura principale dell’opera cinese nella prima metà del Novecento, celebre nei ruoli dan (femminili). Assieme allo studioso Qi Rushan, introdusse nell’Opera di Pechino notevoli cambiamenti, con la creazione di nuove opere e il recupero di danze, costumi e testi tradizionali. Fece conoscere il teatro cinese al di fuori della Cina, dapprima in Giappone, nel 1919 e nel 1924, poi negli Usa, nel 1930, e in Unione Sovietica (1935), dove incontrò Stanislavskij, Mejerchol’d, Ejsenstejn e Brecht, rimasti fra i suoi ammiratori e che da M. furono variamente influenzati, come testimoniano loro scritti, fra cui celebri quelli di Brecht e Ejzenstejn.

Weisenfreund; Lemberg, poi Lwow in Polonia, 1895 – Hollywood 1967), attore statunitense. Nato in Polonia, emigrò negli Usa con i genitori che recitavano nei teatri yiddish, e in yiddish debuttò anche lui, dodicenne, affermandosi presto in ruoli di vecchi. Nel 1926 passò alle scene di lingua inglese, imponendosi nel 1931 nel dramma L’avvocato di E. Rice. Fece poi una brillante carriera a Hollywood ( Scarface , 1929; Io sono un evaso , 1932; La vita del dottor Pasteur , 1936, premio Oscar) ma tornò occasionalmente a Broadway, facendosi apprezzare per la sua capacità di costruire personaggi a tutto tondo, in Key Largo di M. Anderson, in Erede il vento di Lawrence e Lee e soprattutto, a Londra, in Morte di un commesso viaggiatore di A. Miller.

Conosce il successo di pubblico e di critica con F. Brusati, insieme al quale scrive nel 1959 Il benessere . Successivamente compone una serie di drammi storici. Il suo testo più celebre, quello che mette in evidenza il suo stile multiforme, è Lezione d’inglese , del 1977. Altri titoli: La Giovanna di Dio (1964), L’isola (1966), Che cosa è il fascismo (1971).

Nel 1958, terminato l’Istituto coreografico di Mosca, entra al Teatro Bol’šoj dove resta sino al 1988. Ancora allieva dell’Istituto interpreta la parte di Maša in Schiaccianoci , nella versione di V. Vajnonen. Al Bol’šoj è la prima interprete di Schiaccianoci (1966), Spartaco (1968), La bella addormentata (1973) tutti nella coreografia di J. Grigorovic. Affronta inoltre gran parte del repertorio russo e sovietico: Il fiore di pietra , Le fiamme di Parigi , Paganini , La fontana di Bachcisaraj , La notte di Valpurga , Cenerentola , Petruška , Don Chisciotte , Giulietta e Romeo , Anjuta (coreografia di Vladimir Vassil’ev, 1986). Protagonista di molti film di danza realizzati per la televisione ( Galatea , Vecchio Tango , Anjuta ), col marito Vasil’ev è interprete delle danze in Traviata , il film di Zeffirelli, su coreografia di Alberto Testa. Ballerina brillante e di grande femminilità, cresciuta secondo le migliori tradizioni del balletto classico, è dotata di leggerezza nel salto, di ottima tecnica virtuosistica, di grazia naturale e morbidezza delle linee. Apprende i ruoli più drammatici (per esempio Giselle ) alla scuola di Galina Ulanova. Per decenni costituisce coppia fissa in palcoscenico con il marito Vasil’ev. Insieme, negli anni ’60 e ’70 impersonano i danzatori modello sovietici, da contrapporre ai `traditori’ Nureyev e Barišnikov che avevano abbandonato il Paese.

Formatasi con Agnes De Mille e Martha Graham, nella cui compagnia è solista per otto anni, danza anche con Lubovitch, Pilobolus e altri. La sua prima creazione è Treading (1979), inserito poi nel repertorio della compagnia di Ailey (1982) che le commissiona Pigs and Fishes . Nel 1981 fonda con David Brown un suo gruppo per cui crea, fra l’altro: Feu Follet , Dreamtime , New York Moonglow , The World Upside Down , Labess , Volkmann Suite . La sua cifra di autrice è dinamica, energica nonché attenta, nei contenuti, alle tematiche delle minoranze e dei diversi.

Inizia in compagnie di repertorio. Dopo circa dieci anni di attività nel 1965 fonda la Compagnia stabile di prosa di Messina. Seguono allestimenti di classici come I Viceré di De Roberto, alcuni spettacoli tratti dalle commedie di Plauto e testi del repertorio contemporaneo: soprattutto Pirandello e Ionesco.

Impegnato nel campo del cabaret come attore (lo ricordiamo sul piccolo schermo con Massimo Troisi ed Enrico Beruschi nel 1978 in Non Stop ) e come autore, M. ha firmato i testi di molti attori come Gigi e Andrea, Massimo Boldi, Gianfranco D’Angelo, e Mario Zucca. Ha scritto inoltre diversi libri, l’ultimo, del 1998, è Quriamo l’itigando .

Nasce a San Pietroburgo (1783) come sede della compagnia d’opera e di balletto della città. Nel 1860 il teatro viene ricostruito e inaugurato con il nome di M.; il primo balletto è stato presentato nel 1880, l’attività regolare è cominciata nel 1889. Dopo la rivoluzione d’Ottobre il suo nome è divenuto Gatob (abbreviazione di Teatro Accademico di Stato d’Opera e Balletto) e dopo l’assassinio del capo del partito comunista S.M. Kirov è stato intitolato a suo nome. Il massimo splendore della compagnia si è avuto durante il periodo zarista, quando M. Petipa è diventato prima primo ballerino e poi direttore. Qui sono nate le straordinarie coreografie di La bella addormentata , Schiaccianoci , Il lago dei cigni e Raymonda , nate dalla collaborazone di Petipa con Cajkovskij e Glazunov, e qui si sono formati gli straordinari ballerini russi che hanno dominato la scena mondiale tra Ottocento e Novecento: P. Gerdt, O. Preobrajenska, M. Kšesinskaja, V. Trefilova, A. Pavlova e V. Nijinskij. Furono proprio questi danzatori che, da soli o nella compagnia dei Ballets Russes di Diaghilev, stupirono l’Occidente. A questi nomi seguirono altri grandissimi del balletto, da Fokinea Balanchine, da Nureyev a Barišnikov.

Invitata da Balanchine a far parte del New York City Ballet, vi danza ruoli principali per tredici anni nei titoli di repertorio e in creazioni come The Newcomers (1988), Dance Preludes e Untitled (1991), Images (1992), Urban Dances (1997). Collabora con il Jacob’s Pillow Festival e con la School of American Ballet, dove insegna. Vincitrice dell’American Choreographer’s Award, debutta in Europa con Images , rimontato per il MaggioDanza fiorentino (1994). Nelle sue creazioni, utilizza di preferenza lo stile classico-moderno secondo la tradizione del balletto concertante balanchiniano.

Debutta come giornalista nel 1950, nel 1957 pubblica la raccolta di racconti L’elefante (Slon), nel 1958 esordisce in teatro con La polizia (Policja), un apologo ambientato nell’Ottocento sotto cui non è difficile scorgere una pesante satira del mito marxista dell’`estinzione dello stato’ a seguito del raggiungimento del comunismo. A La polizia seguono Il martirio di Piotr Ohey (Meczenstwo Piotra Oheya, 1959), Il tacchino (Indyk, 1960), feroce satira della società polacca della `piccola stabilizzazione’ e allo stesso tempo denuncia dell’inadeguatezza e del corrompersi dei luoghi comuni del `romanticismo nazionale’, la trilogia di atti unici In alto mare (Na pelnym morzu), Strip-tease e Karol (1961), dove con l’aiuto di situazioni parodistiche M. riproduce sulla scena i processi di mitologizzazione e mistificazione della quotidianità elaborati per mascherare l’aggressività, l’intolleranza, il conformismo. La festa (Zabawa, 1961) contamina l’attesa metafisica di Aspettando Godot , con una ripresa ironica di tematiche sviluppate dal drammaturgo modernista Stanislaw Wyspianski in Le nozze (Wesele). La prima fase della produzione scenica di M. prosegue con Moniza Clavier (1963), Morte di un colonnello (Smierc porucznika, 1963), dove viene nuovamente posto ad analisi critica il mito romantico dell’eroismo obbligatorio, ed è coronata da Tango (1968), dramma satirico composto in Italia, amaramente irridente gli inevitabili esiti terroristici e autoritari dei movimenti di protesta giovanile. Analogo scetticismo nei confronti della rivolta dei giovani occidentali è espresso in Il sarto (Krawiec, scritto nel 1964, pubblicato nel 1977), dove la cultura viene paragonata alle mode nell’abbigliamento, e in Un caso fortunato (Szczesliwe wydarzenie, 1973). Il radiodramma Il macello (Rzeznia, 1973) testimonia un nuovo stile, un teatro delle crudeltà in cui non mancano i riferimenti alle opere di Stanislaw Ignacy Witkiewicz. M. testimonia qui il suo rifiuto di ogni scelta estremista e irreversibile in cui le contraddizioni dell’esistere siano ridotte a falsi dilemmi, tra natura e cultura, arte e vita, convenzione e invenzione, ordine e ribellione. In Gli emigranti (Emigranci, 1974) M. ricostruisce il dramma personalmente sperimentato (è esule, dapprima in Italia, poi in Francia) di chi è lontano dalla propria terra, riuscendo a evitare il vittimismo emigré nella sottolineatura dell’`uso masochistico’ che del libero arbitrio fanno gli esiliati polacchi, «abitatori senza speranza e dignità dei sottoscala delle metropoli opulente» (L. Gambacorta). Con Il gobbo (Garbus, 1975) M. ritorna alla satira delle velleità sovversive dell’ intelligencja europea fin de siécle , vezzeggiate e coltivate da una borghesia e un’aristocrazia inconsapevoli della catastrofe imminente. Momentaneamente accantonato il teatro (eccezion fatta per Vatzlav , una commedia del 1979 sull’utopistica ricerca di valori fondamentali in una situazione di assoluto relativismo morale e gnoseologico) a favore della stesura di sceneggiature cinematografiche da lui stesso trasferite su pellicola ( L’isola delle rose , Wyspa roz, 1975; Amor , 1979) e di brevi scritti critici ( Piccole lettere , Male listy, 1982), M. ritorna al dramma sotto la spinta dei drammatici eventi del 1981 (lo scioglimento di Solidarnosc e l’introduzione della legge marziale da parte del generale Jaruzelski) con la pièce a chiave Alfa (1984), nel cui protagonista è facile identificare Lech Walesa, e con Il ritratto (Portret, 1987), dove per la prima volta il drammaturgo evoca apertamente sulla scena il fantasma di Stalin, in una resa dei conti con la propria giovanile adesione all’ideologia totalitaria. Tra gli ultimi lavori sono da menzionare Le vedove (Wdowy , 1992), rappresentato per la prima volta in Italia, a Siena, e Un amore in Crimea (Milosc na Krymie, 1993).

Negli anni ’60 insieme a Friel, Kilroy e Leonard viene considerato il rappresentante della nuova generazione che possiede un po’ dell’antica energia e della forza d’impegno del teatro irlandese. Sempre in quegli anni si trasferisce a Londra ma già nel ’70 torna (come Leonard e molti altri) per stabilirsi a Dublino, in seguito al Currency Act: decreto emanato dal ministro C. J. Haughey grazie al quale gli scrittori godevano di particolari condizioni fiscali. A Whistle in the Dark (1961) è il primo dei suoi lavori, in cui combina la tradizione gaelica dello `storytelling’, con la pietà cattolica e il paganesimo del folklore, il tutto nel rigoroso rispetto dell’unità aristotelica e con l’intento di proporre lo scontro tra le forze senza tempo della storia e della tradizione con quelle del contemporaneo all’interno della realtà irlandese. Seguono tra gli altri: Famine (1968) dramma epico a carattere nazionale; The Gigli Concert (1983) dove l’Irlanda degli anni ’80 è posta a confronto con ideali ormai svaniti; Bailegangaire prodotto dalla Druid Theatre Company con la regia di Garry Hynes nel 1985, vincitore di premi come il Harvey’s Best Play e il Sunday Tribune Theatre e riproposto al Royal Court nel 1997; A Thief of a Christmas , (1985) che deve moltissimo in termini formali alla passione operistica dell’autore; The Patriot Game (1991) che tratta della questione dell’Irlanda del Nord e che è apparso in occasione del 75 anniversario del Massacro di Pasqua nonostante si fosse deciso quell’anno di non tenere alcuna celebrazione pubblica.

Nasce in un territorio di tradizione nazionalista e ciò nonostante dimostra nella sua scrittura una particolare quanto rara abilità camaleontica che gli permette di cambiare punto di vista sia che si tratti di politica che di questioni di genere: Factory Girls , il suo primo dramma, sebbene ambientato nel territorio d’origine, non tocca il tema del nazionalismo ma si concentra su le donne, il potere, la solidarietà. Tuttavia la sua tematica rimane legata alla questione dell’Irlanda del nord, più o meno palesemente affrontata. Ottiene un grande successo e diversi premi della critica nell’85 con Observe the Sons of Ulster Marching Towards the Somme : dramma storico raccontato dal punto di vista unionista, che mostra l’ambivalenza inerente al processo stesso di auto-identificazione nazionale. Tra gli altri suoi lavori: Innocence (1986); Carthaginians (1988); Someone Who’ll Watch Over Me (1992) e il più recente Mutabilitie (commissionato e messo in scena al National Theatre per la regia di T. Nunn, 1997) dove viene esplorato il rapporto tra irlandesi e inglesi, tra vittima e carnefice, tra due diverse culture a confronto-scontro alla fine del XVI secolo.

Intorno alla metà degli anni ’70 frequenta la scuola del Teatro stabile di Genova dove incontra Carlo Cecchi e decide di seguirlo abbandonando la scuola e partecipando agli allestimenti del Borghese gentiluomo e del Don Giovanni di Molière sotto l’egida della compagnia Granteatro. I maestri a cui in questo periodo di formazione fa riferimento sono, oltre a Cecchi, l’unico con cui ha lavorato, Leo De Berardinis, da cui mutua i concetti di interazione consapevole e attiva del gesto teatrale con il pubblico e dell’irripetibilità dell’accadimento teatrale, e Carmelo Bene, che per M. realizza il modello perfetto di attore, soprattutto nella funzione sacerdotale e quasi sciamanica che lo eleva a intermediario irrinunciabile e originale dei testi e in particolare dei classici visitati senza soggezione, con estrema libertà `ri-creativa’. Echi di Artaud e di Peter Brook confluiscono nella sua concezione di teatro che, attraverso Cecchi, può confrontarsi con autori come Pinter, Majakovskij, Büchner, Pirandello, ma anche Petito e Shakespeare. Alla ridefinizione del senso e della funzione del fare teatro, emergenza molto acuta alla fine degli anni ’70, M. partecipa con l’avventura di Katzenmacher (1980), cruda ed emozionante opera prima che darà il nome alla compagnia fondata con Alfonso Santagata. Il sodalizio durerà fino alla stagione 1993-94, con quattordici allestimenti, tra cui Il calapranzi (grande successo di pubblico che debutta nel 1984, anno in cui ottiene il premio Ubu e quello della critica) e Il guardiano (1992), entrambi di Harold Pinter, Finale di partita di Samuel Beckett (1990), e testi tratti dall’opera di Büchner ( Büchner, mon amour ), Cervantes ( Saavedra ), Dostoesvkij ( Omsk) . Ispirati a un’idea di teatro non rassicurante, gli spettacoli della coppia (che Nanni Moretti vorrà nel cast del suo Palombella rossa e che, nel 1987, è protagonista di uno dei più significativi esperimenti di teatro in carcere: Andata e ritorno , allestito con i detenuti della casa circondariale di Lodi) attraversano con coraggio e viscerale partecipazione poetica le inquetudini dei nostri giorni. Ma l’intensità e l’essenzialità di quella esperienza prosegue, dal ’94 in poi, nel percorso individuale di Morganti col Progetto Shakespeare – Studio per Riccardo III , Riccardo Vs (Versus) Amleto , III Riccardo III , La scena del Consiglio -, il Progetto Alfred Jarry , Tempeste – Spettacolo d’arte varia , Tre atti per contrabbasso (1998), fino alle recenti `letture’ shakespeariane come La morte di Giulio Cesare (Santarcangelo ’98).

Ha lavorato con Strehler al Piccolo Teatro per i più importanti allestimenti degli ultimi anni: da Faust, frammenti 1 e 2 (collaborando con J. Svoboda) alla ripresa de I giganti della montagna , e delle Baruffe chiozzotte , da L’isola degli schiavi a Così fan tutte .

Studia alla scuola del Teatro alla Scala di Milano, entrando a far parte del suo Corpo di Ballo nel 1990. Ancora nelle file della compagnia, ricopre ruoli solistici e da protagonista fino a che nel 1994 viene nominato primo ballerino. Dotato di elegante presenza, romantico temperamento e solida tecnica accademica, interpreta i ruoli di danseur noble del repertorio ottocentesco accanto a étoiles internazionali ( Giselle con Alessandra Ferri, 1996), nonché balletti contemporanei di autori come Glen Tetley, Paul Taylor, Mats Ek, Roland Petit, che lo sceglie per le creazioni Chéri (con Carla Fracci, 1996), Bolèro (con Lucia Lacarra,1996) e Il lago dei cigni (con Altinai Asylmouratova, 1998).

Inizia come attore nel teatro di sperimentazione, contemporaneamente studiando danza moderna e contemporanea. La sua prima coreografia è Bagni acerbi (1985) per la sua compagnia Baltica, per la quale crea anche Barmoon (1987), La Boule de Neige (1987), Casa Messner (1988), Blanche (1992). Importante è la collaborazione con il Balletto di Toscana, per il quale firma, oltre a Era Eterna (1988), e Pinocchio (1991), la trilogia shakespeariana composta da Giulietta e Romeo (1989), Otello (1994), La tempesta (1996); collabora anche con altre compagnie italiane come MaggioDanza ( Herr Salieri , 1991), Balletto della Scala ( Reliquie d’amanti , 1992), Opera di Roma ( Lo schiaccianoci , 1995), Teatro Regio ( Il fantasma di Canterville , 1996), Aterballetto ( Six Memos , 1997). Nel 1989 debutta come regista teatrale con Tre sorelle di Cechov e nel 1997 nella lirica con Otello di Verdi. Coreografo `drammaturgo’ predilige balletti narrativi di solido impianto teatrale, caratterizzati da una surreale visionarietà e da una danza che rilegge lo stile neoclassico arricchendolo di accesi tocchi espressivi.

Dopo le prime esperienze d’attore, studia danza contemporanea e classica a Roma, al Mudra di Béjart e con Rosella Hightower, entrando poi a far parte dell’Aterballetto (1982) e della Compagnia Vittorio Biagi (1983-84). Nel 1983 fonda con Patrizia Natoli la compagnia Teatrokoros, per la quale crea molti lavori tra cui Jeannot (1986), Nacht und Sonne (1987), L’acqua del sangue (1990), Lamento d’Arianna (1994), Itself (1997). Ospite di altre compagnie firma Trois en Quatre (Balletto di Toscana, 1987), La figlia di Iorio (Arena di Verona, 1988), Dido and Aeneas (Opera di Roma 1990), Romeo and Juliet (Northern Ballet Thetre, 1991), Hor che’l ciel (Aterballetto, 1993), Canti del Capricorno (Balletto della Scala, 1994), Tre pezzi per Fellini (MaggioDanza, 1995). Coreografo eclettico, ha fatto prova di una notevole versatilità stilistica affrontando sia il balletto neoclassico che il teatrodanza, sempre con compiuti risultati artistici.

Laureato in lettere, ha svolto per alcuni anni l’attività di insegnante liceale. Si dedicò al teatro dal 1922, quando ottenne il suo primo successo con Il re de le mascare , di ambientazione cinquecentesca. La sua puntuale denuncia dei costumi, seppure manifestata con uno stile comico, nasce dall’analisi di un mondo dove l’opportunismo ha la meglio sull’onestà. M. ha riscosso un buon successo anche all’estero. Alcuni titoli: Lo scandalo Fregonard (1949), Serafino Lemmi applicato (1953).

Figlio di Giuseppe, all’epoca direttore dell’Accademia di Santa Cecilia, frequenta l’Accademia d’arte drammatica e inizia presto a calcare le scene, con Processo a Gesù di Fabbri (1956), al fianco di Renzo Ricci ed Elsa Merlini. Talento comico, si rivela nella rivista Senza Rete con Paolo Panelli. Lavora quindi in una serie di commedie brillanti come Non ti conosco più , Cara delinquente , Dobbiamo uccidere Tony . Con Renato Rascel lavora in un insolito spettacolo brillante firmato da Zeffirelli nel 1969, Venti zecchini d’oro .

Si affermò negli anni ’20, in coppia con la moglie Florence Eldridge (1901 – 1988), recitando Shaw e Molnár per la Theatre Guild. Poi si dedicò prevalentemente al cinema ( I migliori anni della nostra vita , 1946; Morte di un commesso viaggiatore , 1951; Ore disperate , 1955; I sequestrati di Altona , 1962; Sette giorni a maggio , 1964) conquistando una vasta popolarità che mise a frutto quando tornò alle scene e interpretò, fra l’altro, sempre con la moglie, La famiglia Antropus di Wilder (1946), Un nemico del popolo di Ibsen (1951) nell’adattamento di A. Miller e soprattutto Lunga giornata verso la notte di O’Neill (1954) che la critica statunitense giudicò una delle più alte prove d’attore del suo tempo.